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AUTHOR
Víctor Huertas Martín
showing 9 related works from this author
Theatrical Self-Reflexivity in Gregory Doran's Hamlet (2009)
2016
Este articulo tratara sobre la meta-teatralidad en la pelicula Hamlet de Gregory Doran (2009). Esta pelicula esta basada en una produccion escenica de la Royal Shakespeare Company presentada en el Courtyard Theatre (Stratford-upon-Avon) y el Novello Theatre (Londres). Contra los permanentes prejuicios que critican la fusion entre la puesta teatral y la pequena pantalla, Doran y el equipo creativo de Illuminations Media optan por sacar partido de las naturalezas opuestas de las artes teatrales y cinematograficas. Los resultados de esta decision creativa se manifiestan en forma de representacion hibrida para television. La pelicula se ha rodado en un espacio acondicionado con el proposito de …
'A Mourning Rome, A Dangerous Rome': Theatricality and Anti-Theatricality in Two Julius Caesar Films
2020
Este ensayo estudia la 'teatralidad' y la 'antiteatralidad' en dos versiones cinematográficas del Julio César de William Shakespeare : Julio César (dir. Gregory Doran, 2012) y yo, Cinna.(el poeta) (dir. Tim Crouch, 2012). Las puestas en escena originales de las películas han sido analizadas como ejemplos de Shakespeares poscoloniales y en relación con su relevancia durante los Juegos Olímpicos de 2012. Sin embargo, como películas, pueden estudiarse como adaptaciones conectadas a las luchas socioeconómicas y políticas que tienen lugar en el ámbito local. contexto. Estoy usando la distinción de Martin Puchner de 'teatralidad' y 'antiteatralidad'. Mientras que el primero celebra la actuación p…
Traumatic Redemption Chronotope as Theoretical Model to Study Serial Shakespeares
2019
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 his article proposes a methodology to study Shakespearean intertexts in contemporary complex TV series. While the presence of Shakespeare’s inter-texts in contemporary complex TV seems ubiquitous, a sustained and theoretically focused academic study of the impact of Shakespeare in these works has not been produced. Reviewers and social media users’ comments have proposed readings of the series pointing at the importance of the series’ redemptive qualities. Taking Hannah Wolfe Eisner’s “Into the Middle of Things: Traumatic Redemption and the Politics of Form” as basis, I am presenting a theoretical model to study serial Shakespeares, with which I am referr…
The Tempest de William Shakespeare, dirigida por Gregory Doran (Royal Shakespeare Company, 2016-2017). Dialéctica entre tecnología virtual y corporal…
2019
Este artículo estudia la dialéctica que se da entre los cuerpos de los actores y la tecnología virtual en la producción de The Tempest de Gregory Doran (2016-2017). Dicha dialéctica será observada desde una óptica marxista – principalmente a partir del trabajo de Silvia Federici – y desde la crítica textual y escénica del texto de Shakespeare. Aspectos como la tecnología y el cuerpo serán de importancia para mi trabajo. Particularmente me centraré en el cuerpo como materia sometida al castigo corporal y a su instrumentalización en la película. También trabajaré a partir de la teorización de Gabriella Giannachi sobre el teatro virtual como herramienta de debate estético, político y ético en …
Rethinking Serial Shakespeare in the Culture of Traumatic Redemption: Shakespearean Intertexts in Boardwalk Empire (HBO 2010-2014)
2019
Shakespearean intertexts serve narrative and ideological functions in contemporary complex TV series. While scholars and press reviewers have pointed at this fact, few steps have been taken to explore the narrative implications of the Shakespearean intertexts in complex TV series. This article contextualizes complex TV series within a social, political and economic context of 'traumatic redemption.' With regards to this, Hannah Wolfe Eisner develops the chronotope of traumatic redemption. Moving away from previous accounts of trauma which stress healing and recovery too precipitately, Eisner develops the aforementioned chronotope via exploration of dialectics of trauma and redemption in con…
Ruper Goold's Macbeth (2010): Surveillance Society and Society of Control
2017
This article deals with Rupert Goold's film version of Macbeth (2010). Based on a stage production, this film is set in an unspecified Soviet country. I will analyze Goold's creation of a stage-to-screen hybrid recording framed as a surveillance film. Relying on Michel Foucault's and Gilles Deleuze's works as well as various contributions made by Cultural Materialist and New Historicist critics, I intend to explore the power relations in this surveillance film. I will also examine how the surveillance film conventions deployed by Goold turn the narrative into a meta-filmic event. This allows the viewer to perceive surveillance as part of the subject matter of the story and as inseparable fr…
Rupert Goold's Richard II (2012): A Network of Visual Intertextuality
2014
Rupert Goold's Richard II (2012): A Network of Visual Intertextuality
Hibridaciones de la Royal Shakespeare Company entre el escenario y la pantalla. Revisión crítica y perspectivas metodológicas recientes
2020
In this article we revise the history and main existing bibliography on the theatricalaudiovisual hybrid relations concerning the Royal Shakespeare Company's productions. To continue, we summarize the main methodological trends followed for the study of hybridity in the RSC's audiovisual productions. En este artículo revisamos la historia y la principal bibliografía existente con respecto a las relaciones de hibridación teatral-audiovisual de las producciones de la Royal Shakespeare Company. A continuación, resumimos las líneas metodológicas principales que se han seguido para el estudio de la hibridación en producciones audiovisuales de RSC.
Katabasis in Rupert Goold's Macbeth (BBC, 2010): Threshold-Crossing, Education, Shipwreck, Visionary and Trial Katabatic Experiences
2018
Rupert Goold's stage production of Macbeth opened at the Minerva Theatre in Chichester, went to the Gielgud Theatre (London) and toured to the Harvey Theater in New York (2007-2008) before, in 2010, BBC, PBS and Illuminations Media turned it into a TV film.1 Set in a twentieth-century regime displaying the iconography of Stalin's dictatorship, Anthony Ward's decor was "confined within a windowless basement kitchen, perhaps a few tiers above hell" (Nicholas De Jongh). Unsurprisingly, several reviewers compare these aspects of the scenography with a living hell. However, the recording turned those hellish textures into a dominant motif.